Public Art Fund được thành lập năm 1977 bởi Doris C. Freedman (1928–1981), một người ủng hộ mạnh mẽ các nghệ sĩ và vai trò của nghệ thuật trong đời sống thường nhật của thành phố. Bà cũng từng là Giám đốc Văn hóa đầu tiên của thành phố New York, Chủ tịch Hiệp hội Nghệ thuật Thành phố New York.
Freedman là một người ủng hộ không mệt mỏi cho nghệ thuật công cộng và việc tiếp cận văn hóa. Bà đã dẫn đầu cuộc đấu tranh để hợp pháp hóa các khu cư trú dành cho nghệ sĩ ở Soho cũng như việc thông qua luật của thành phố New York về... Phần trăm cho Nghệ thuật luật năm 1982 quy định rằng một phần ngân sách dành cho các dự án xây dựng do thành phố tài trợ phải được phân bổ cho nghệ thuật. Với tư cách là chủ tịch của... Hội Nghệ thuật Thành phốFreedman đóng vai trò quan trọng trong việc tạo ra Trung tâm Đô thị (Urban Center), một tổ hợp gồm trung tâm hội họp, tòa nhà văn phòng và phòng trưng bày dành cho các kiến trúc sư, nhà quy hoạch đô thị và các nhà hoạt động. Freedman cũng là người tiên phong trong nỗ lực của Hiệp hội Nghệ thuật Đô thị ( Municipal Art Society) nhằm thu hút sự ủng hộ của công chúng để cứu Nhà ga Grand Central khỏi bị phá hủy.
Năm 1971, bà thành lập tổ chức phi lợi nhuận. Hội đồng Nghệ thuật Công cộng đồng thời giữ chức chủ tịch của Công ty TNHH Tường ThànhMột tổ chức chuyên lắp đặt các bức tranh khổ lớn trên các bức tường trống bên hông các tòa nhà quanh thành phố New York. Dưới sự lãnh đạo của bà, cả hai tổ chức đã phát triển các chương trình để khám phá tiềm năng của nghệ thuật trong việc trở thành một khía cạnh không thể thiếu của không gian công cộng đô thị.
Năm 1977, Freedman sáp nhập Public Arts Council và City Walls Inc. để thành lập tổ chức này. Public Art Fund, một tổ chức phi lợi nhuận 501(c)(3) dựa vào sự đóng góp từ các cá nhân, tập đoàn và quỹ. Thông qua tầm nhìn của Freedman về việc nâng đỡ các nghệ sĩ tiên phong ở các giai đoạn khác nhau trong sự nghiệp của họ, Public Art Fund Bà được biết đến như một người ủng hộ mạnh mẽ các nghệ sĩ trẻ. Bà đã giúp giới thiệu những dự án thử nghiệm như một tác phẩm của chính nghệ sĩ. Eric Arctander Năm 1980, ông đã minh họa đường bờ biển ban đầu của New Amsterdam, và một tác phẩm của một người nào đó. Nhà thơ Daniel Wolf và nhà điêu khắc Robert Taplin, bao gồm một câu chuyện được kể thông qua các hộp trưng bày nhỏ đặt xung quanh Quảng trường Union.
Sinh ra và lớn lên ở New York, Freedman theo học tại trường Albright College và nhận bằng Thạc sĩ Công tác Xã hội tại Đại học Columbia. Bà được phong làm thành viên danh dự của Viện Kiến trúc sư Hoa Kỳ. Freedman cũng là thành viên của Ủy ban Văn hóa của Thị trưởng và hội đồng cố vấn của Trường Công tác Xã hội thuộc Đại học Columbia. Bà từng là thành viên hội đồng quản trị của Hội đồng Công viên, Hiệp hội Nghệ thuật Thành phố, Công ty Ballet Eliot Feld và Hội đồng Giám sát của Trường Thiết kế Parsons. Bà cũng là ủy viên quản trị của Học viện Pratt và trường Albright College, góp phần thành lập Phòng trưng bày Freedman tại trường Albright College. Bà cũng đồng chủ trì “Các nghệ sĩ trong thành phố"Đây là một chương trình phát thanh hàng tuần trên đài WNYC, giới thiệu các nghệ sĩ chuyên nghiệp và những tác phẩm sáng tạo của họ trong các cộng đồng quanh thành phố New York."
Để tưởng nhớ tầm nhìn của Freedman, Thị trưởng Edward I. Koch đã thành lập... Quảng trường Doris C. Freedman Tại lối vào phía đông nam của Công viên Trung tâm. Kể từ tháng 11 năm 1977, địa điểm này đã trở thành một trong những... Public Art Fundnhững địa điểm nổi tiếng nhất của thành phố dành cho các triển lãm luân phiên. Ngoài ra, Thị trưởng Koch đã dành riêng... Giải thưởng Doris C. Freedman Để vinh danh Freedman vào năm 1982, giải thưởng này được trao hàng năm nhằm tôn vinh một cá nhân hoặc tổ chức vì những đóng góp cho người dân Thành phố New York, làm phong phú thêm môi trường công cộng. Năm 2023, bức tranh tường tại số 112 phố Prince của Richard Haas—một tác phẩm rộng 75 feet, cao năm tầng, ban đầu được City Walls Inc. đặt hàng—đã được họa sĩ vẽ tranh tường Robin Alcantara phục dựng theo đề xuất của CITYarts, Inc., để vinh danh công trình tiên phong của Freedman trong lĩnh vực nghệ thuật công cộng.
Con gái của bà Freedman, Susan K. Freedman, tiếp nối di sản của mẹ mình với tư cách là Chủ tịch của... Public Art Fund.
In Public Art Fundloạt podcast của Các tác phẩm nghệ thuật công cộngCác nghệ sĩ và nhà lãnh đạo văn hóa khám phá các chủ đề thời sự như hoạt động xã hội, sự đại diện, nữ quyền, và thậm chí cả ẩm thực đường phố thông qua lăng kính nghệ thuật công cộng tại thành phố New York.
Bạn có biết rằng Shake Shack ban đầu xuất phát từ... Public Art Fund dự án?
Những tượng đài trong không gian công cộng nên đại diện cho ai?
Nghệ thuật đóng vai trò gì trong hoạt động đấu tranh và phản kháng?
Những chủ đề này và nhiều hơn nữa sẽ được khai thác trong mùa đầu tiên gồm sáu tập, do diễn viên Jeffrey Wright dẫn chương trình và có sự tham gia của nhiều tiếng nói đa dạng, bao gồm các nghệ sĩ Ai Weiwei, Sue de Beer, Kate Gilmore, Xaviera Simmons, Hank Willis Thomas, Lawrence Weiner và Erwin Wurm; các nhà hoạt động Paola Mendoza và Arianna Gil; đầu bếp kiêm chủ nhà hàng Danny Meyer; Chủ tịch Quỹ Ford Darren Walker; Ủy viên Văn phòng Vấn đề Người nhập cư của Thị trưởng, Bitta Mostafi; nhà văn ẩm thực Joe DiStefano; Giám đốc Trung tâm Nghiên cứu Giám tuyển tại Đại học Bard và cựu Giám đốc của... Public Art FundTom Eccles; Lisa Frigand, cựu chuyên viên dự án tại Con Edison; Public Art FundNicholas Baume và Susan K. Freedman của tờ báo này; và cả những người dân New York bình thường nữa!
Các tập phim đã có sẵn. đây và hơn thế nữa iTunes, Spotify, Google và Alexa.
Chín người phụ nữ Tác phẩm của Alex Katz (sinh năm 1927, Thành phố New York, NY) là một bức tranh biển quảng cáo dài 240 feet nằm ở trung tâm Quảng trường Thời đại, trung tâm của Khu Nhà hát New York. Doris C. Freedman, Chủ tịch Hội đồng Nghệ thuật Công cộng, nhận xét rằng tác phẩm của Katz “là một ví dụ xuất sắc về cách các không gian công cộng có thể được làm sống động và nâng cao thông qua việc tích hợp nghệ thuật vào môi trường đô thị. Thiết kế của Alex Katz—một chuỗi 24 khuôn mặt phụ nữ—tạo thêm cảm giác uyển chuyển, nhẹ nhàng và rộng rãi cho môi trường thường xuyên tắc nghẽn của Đường 42 và Broadway.” Tác phẩm bao gồm 23 đầu phụ nữ—mỗi đầu cao 20 feet—đặt trên biển quảng cáo dài 240 feet và tòa tháp cao 60 feet sừng sững phía sau, mang đến tầm nhìn độc đáo của một trong những nghệ sĩ đương đại hàng đầu quốc gia cho con đường thương mại sầm uất nhất nước Mỹ.
Agnes Denes (sinh năm 1931, Budapest, Hungary) và các trợ lý của bà đã trồng và thu hoạch 1.5 mẫu Anh lúa mì tại bãi rác Battery Park City. Việc trồng trọt bao gồm đào 285 rãnh bằng tay, dọn sạch đá và rác, sau đó gieo hạt bằng tay và lấp đất lại. Mỗi rãnh mất từ hai đến ba giờ. Denes và các trợ lý của bà đã chăm sóc cánh đồng trong bốn tháng, lắp đặt hệ thống tưới tiêu, làm cỏ, bón phân, dọn sạch đá, tảng đá và dây thép bằng tay, và phun thuốc trừ nấm mốc. Vào ngày 16 tháng 8 năm 1982, Denes đã thu hoạch vụ mùa, thu được gần 1000 pound lúa mì vàng óng, khỏe mạnh. Denes mô tả dự án như một “biểu tượng, một khái niệm phổ quát. Nó đại diện cho lương thực, năng lượng, thương mại, thương mại thế giới, kinh tế. Nó đề cập đến sự quản lý yếu kém và nạn đói toàn cầu. Nó là một sự xâm phạm vào Thành trì, một cuộc đối đầu với nền văn minh cao cấp. Nhưng mặt khác, nó cũng là Shangri-La, một thiên đường nhỏ bé, tuổi thơ của một người, một buổi chiều hè nóng nực ở quê hương, sự bình yên. Những giá trị bị lãng quên, những niềm vui giản dị.”
Tin nhắn gửi đến công chúng đã tạo thành một phần quan trọng của Public Art FundCam kết lâu dài của chương trình đối với các tác phẩm nghệ thuật dựa trên phương tiện truyền thông. Diễn ra từ năm 1982 đến năm 1990, chương trình trưng bày một loạt các dự án của các nghệ sĩ được tạo ra đặc biệt cho bảng Spectacolor tại Quảng trường Thời đại.
Như Russell Miller từ tờ báo The Toledo Blade của Ohio đã giải thích trong bài báo của mình vào ngày 19 tháng 2 năm 1984, “mỗi tháng, một nghệ sĩ khác nhau trình chiếu một đoạn hoạt hình dài 30 giây trên bảng đèn Spectacolor—một mảng rộng 800 feet vuông gồm 8,000 bóng đèn 60 watt màu đỏ, trắng, xanh lam và xanh lục, chiếm lĩnh toàn bộ khung cảnh Quảng trường Times Square. Đoạn phim được lặp lại hơn 50 lần một ngày trong hai tuần, được lồng ghép vào một vòng lặp 20 phút của các quảng cáo hoạt hình máy tính.”
Trong vai trò nghệ sĩ lưu trú, David Hammons (sinh năm 1943, Springfield, IL) đã tạo ra một tác phẩm điêu khắc tạm thời có tựa đề Mục tiêu cao hơnCông trình được xây dựng ngay tại công viên Cadman Plaza ở Brooklyn trong khoảng thời gian tám tuần.
Mục tiêu cao hơn Tác phẩm gồm năm cột điện thoại được gắn đầy nắp chai, cao từ 20 đến 30 mét. Trên đỉnh mỗi cột là một bảng rổ bóng rổ (cũng được phủ bằng nắp chai), hoàn chỉnh với vòng rổ và lưới. Bằng một quá trình tốn nhiều công sức, Hammons đã đóng hơn 10,000 nắp chai lên bề mặt mỗi cột để tạo ra các họa tiết hình thoi, xoắn ốc và lưới độc đáo. Hammons giải thích ý tưởng đằng sau "Những Mục Tiêu Cao Hơn" bằng cách so sánh với các đội bóng rổ chuyên nghiệp. "Cần năm người để chơi trong một đội, nhưng có hàng ngàn người muốn chơi - không phải ai cũng sẽ thành công, nhưng ngay cả khi không, ít nhất họ cũng đã cố gắng." Câu nói này thể hiện niềm tin cá nhân của Hammons rằng khát vọng không nên bị giới hạn và mỗi cá nhân nên đặt mục tiêu ở mức cao hơn (tức là cao hơn chiều cao tiêu chuẩn 10 mét của lưới bóng rổ).
Nhện Tác phẩm của Louise Bourgeois (1911-2010, sinh tại Paris, Pháp) đã được trưng bày tại Trung tâm Rockefeller trong mùa hè năm 2001. Tác phẩm này mô tả một con nhện cao 30 mét. Mẹ—có nghĩa là "mẹ" trong tiếng Pháp, ngôn ngữ mẹ đẻ của Bourgeois—mang một giỏ trứng và được hai con nhện nhỏ hơn vây quanh. Brian D. Leitch đến từ Tạp chí The New York Times Người ta đã nói, “Louise Bourgeois, giống như tác phẩm điêu khắc con nhện mẹ khổng lồ mà bà tạo ra vài năm trước, đã dệt nên một mạng lưới các tác phẩm kỳ lạ và tráng lệ trong hơn sáu thập kỷ—và cuối cùng, ở tuổi 90, bà ấy đang nhận được sự công nhận xứng đáng.”
Public Art Fund, phối hợp với Thành phố New York, đã trình bày Thác nước thành phố New YorkMột tác phẩm nghệ thuật công cộng lớn mới của nghệ sĩ nổi tiếng quốc tế Olafur Eliasson (sinh năm 1967, Copenhagen, Đan Mạch). Triển lãm bốn thác nước nhân tạo với quy mô đồ sộ đã được trưng bày cho đến ngày 13 tháng 10 năm 2008 tại bốn địa điểm trên bờ biển New York: một thác ở khu neo đậu Brooklyn của cầu Brooklyn; một thác ở các cầu tàu Brooklyn, giữa cầu tàu số 4 và số 5 gần khu phố đi bộ Brooklyn Heights; một thác ở Lower Manhattan tại cầu tàu số 35, phía bắc cầu Manhattan; và một thác ở bờ bắc đảo Governors. Các thác nước cao từ 90 đến 120 feet được dựng trên bờ biển hoạt động từ 5:30 chiều đến 9 giờ tối vào các ngày thứ Hai và thứ Tư, và từ 12:30 chiều đến 9 giờ tối vào các ngày thứ Ba và thứ Năm đến Chủ nhật. Chúng được thắp sáng sau khi mặt trời lặn.
Tatzu Nishi (sinh năm 1960, Nagoya, Nhật Bản) được biết đến trên toàn thế giới với những tác phẩm nghệ thuật tạm thời làm thay đổi trải nghiệm của chúng ta về các tượng đài, bức tượng và chi tiết kiến trúc. Các tác phẩm sắp đặt của ông mang đến cho công chúng sự tiếp cận gần gũi với các khía cạnh của môi trường đô thị và đồng thời thay đổi triệt để nhận thức của chúng ta. Đối với dự án công cộng đầu tiên của mình tại Hoa Kỳ, Nishi đã chọn tập trung vào bức tượng lịch sử của Christopher Columbus.
Bức tượng bằng đá cẩm thạch, cao hơn 75 mét, đặt trên một cột đá granit, được thiết kế bởi nhà điêu khắc người Ý Gaetano Russo. Nó được khánh thành vào năm 1892 để kỷ niệm 400 năm chuyến đi đầu tiên của Columbus đến châu Mỹ. Mặc dù nằm ở vị trí công cộng nổi bật, bản thân bức tượng lại ít được biết đến, chỉ có thể nhìn thấy như một bóng đen in trên nền trời hoặc từ xa so với các tòa nhà xung quanh.
Dự án của Nishi tái hiện bức tượng khổng lồ cao 13 mét của Columbus trong một phòng khách hiện đại được trang bị đầy đủ nội thất. Với bàn, ghế, ghế sofa, thảm và tivi màn hình phẳng, cách bài trí phản ánh cách hiểu của nghệ sĩ về phong cách New York đương đại. Anh thậm chí còn thiết kế giấy dán tường lấy cảm hứng từ những ký ức về văn hóa đại chúng Mỹ, khi còn nhỏ xem phim Hollywood và truyền hình ở Nhật Bản. Khám phá Columbus Tác phẩm mang đến cả một góc nhìn độc đáo về một di tích lịch sử và trải nghiệm siêu thực về tác phẩm điêu khắc trong một bối cảnh mới. Cho phép chúng ta thực hiện một cuộc hành trình lên sáu tầng cầu thang đến một phòng khách tưởng tượng, Tatzu Nishi mời gọi chúng ta tự khám phá xem trí tưởng tượng có thể dẫn lối đến đâu.
Ai Weiwei đã hình thành nên triển lãm đa địa điểm, đa phương tiện này dành cho các không gian công cộng, tượng đài, tòa nhà, địa điểm giao thông và các nền tảng quảng cáo trên khắp thành phố New York. Tổng thể, những yếu tố này tạo nên một phản ứng mạnh mẽ đối với cuộc khủng hoảng di cư toàn cầu và sự suy ngẫm về động lực xã hội và chính trị sâu sắc dẫn đến việc chia rẽ con người. Đối với Ai, những chủ đề này có nguồn gốc sâu xa. Ông đã trải qua cảnh lưu vong cùng gia đình khi còn nhỏ, cuộc sống của một người nhập cư và sinh viên nghệ thuật ở New York, và gần đây hơn, sự đàn áp tàn bạo khi là một nghệ sĩ và nhà hoạt động ở Trung Quốc. Triển lãm dựa trên nhiều khía cạnh trong sự nghiệp của Ai với tư cách là một nghệ sĩ thị giác và kiến trúc sư, và được định hình bởi cả kinh nghiệm sống của chính ông và hoàn cảnh của những người di cư. Năm 2016, Ai và nhóm của ông đã đi đến 23 quốc gia và hơn 40 trại tị nạn trong khi quay phim tài liệu của mình. Dòng người.
“Hàng rào tốt tạo nên những người hàng xóm tốt” là một câu tục ngữ dân gian được trích dẫn trong bài thơ Mending Wall của nhà thơ Mỹ Robert Frost, nơi mà sự cần thiết của một bức tường ranh giới đang được đặt ra câu hỏi. Ai đã chọn tiêu đề này với một nụ cười mỉa mai và một sự nhạy bén về việc các quan niệm dân túy thường khuấy động nỗi sợ hãi và định kiến như thế nào. Khách tham quan triển lãm sẽ khám phá ra rằng những “hàng rào tốt” của Ai không phải là những rào cản không thể xuyên thủng mà là những bổ sung mạnh mẽ, cuốn hút và vang vọng vào cấu trúc của thành phố.
Tách dòng Đây là một tác phẩm được nghệ sĩ Tauba Auerbach (sinh năm 1981, San Francisco, CA) sống tại New York thực hiện theo đơn đặt hàng, biến chiếc tàu cứu hỏa lịch sử John J. Harvey thành một "tàu ngụy trang" hiện đại. Được họa sĩ người Anh Norman Wilkinson phát minh trong Thế chiến I, các họa tiết ngụy trang ban đầu được vẽ lên tàu để làm biến dạng hình dạng của chúng về mặt quang học, gây nhầm lẫn cho tàu ngầm địch khi theo dõi khoảng cách, hướng và tốc độ. Với các hình dạng hình học, các thiết kế ngụy trang chịu ảnh hưởng sâu sắc từ cả ngụy trang động vật và các phong trào tiên phong như Lập thể, Chủ nghĩa vị lai và Chủ nghĩa xoáy. Hàng nghìn tàu thuyền đã được ngụy trang theo kiểu này ở Anh và Mỹ, bao gồm cả ở Thành phố New York tại Xưởng đóng tàu Brooklyn.
Estructuras Monumentales Đây là triển lãm lớn đầu tiên về các tác phẩm điêu khắc ngoài trời của nghệ sĩ Carmen Herrera (1915–2022, sinh tại Havana, Cuba), người sống và làm việc tại thành phố New York. Bà đã sáng tạo ra những bức tranh trừu tượng sống động trong hơn 70 năm, nhưng chỉ gần đây mới nhận được sự công nhận xứng đáng trong lịch sử nghệ thuật. Các tác phẩm rạng rỡ của Herrera đơn giản hóa các hình thức được đặt cạnh nhau một cách năng động thành những yếu tố thuần túy nhất về màu sắc và hình học, tạo ra một sự rõ ràng đặc trưng và mang tính biểu tượng bằng cách nhấn mạnh điều mà bà coi là “vẻ đẹp của đường thẳng”.
của Herrera cấu trúc Loạt tác phẩm điêu khắc này thậm chí còn ít được biết đến hơn. Được ảnh hưởng bởi quá trình đào tạo kiến trúc, Herrera bắt đầu loạt tác phẩm này vào những năm 1960 với một nhóm các bản phác thảo sơ đồ. Bà hình dung ra những tác phẩm điêu khắc đơn sắc quy mô lớn sẽ mở rộng trải nghiệm của những bức tranh rực rỡ của bà vào không gian ba chiều. Cho đến gần đây, những đề xuất mang tính lịch sử này vẫn chưa được hiện thực hóa. Estructuras MonumentalesNhờ vậy, nữ nghệ sĩ tài năng này giờ đây có thể lần đầu tiên chia sẻ những tác phẩm đầy sức mạnh của mình với công chúng.
Conquest Conquest là một màn trình diễn tập thể mới đầy sức hút do nghệ sĩ nổi tiếng Pope.L (1955–2023, sinh tại Newark, NJ) khởi xướng. Tác phẩm lấy cảm hứng từ những màn bò trườn solo mang tính biểu tượng của ông, trong đó nghệ sĩ tự kéo mình lê lết qua nhiều cảnh quan đô thị khác nhau. Di chuyển qua các đường phố và công viên của khu Downtown Manhattan, Conquest tiếp nối truyền thống trình diễn công cộng táo bạo và khiêu khích kéo dài 40 năm này với một màn bò trườn tập thể đầy tham vọng, có sự tham gia của hơn 140 tình nguyện viên.
Nghệ sĩ đã chọn những người tham gia phản ánh sự đa dạng về văn hóa và nhân khẩu học của thành phố New York để cùng nhau bò trên một quãng đường dài 1.5 km từ sân chơi John A. Seravalli ở West Village đến Union Square, đi qua cổng vòm chiến thắng của công viên Washington Square. Cùng nhau bò, những người xa lạ trải nghiệm sự đấu tranh và dễ bị tổn thương khi từ bỏ đặc quyền về thể chất, châm biếm lợi thế xã hội và chính trị của chính họ. Khi cuộc chinh phục của Pope.L diễn ra, tất cả chúng ta đều được hiểu sâu sắc hơn về sức mạnh và những mâu thuẫn của hành động tập thể.
Được trưng bày trên bờ biển của cảng biển cũ này, Đại Tây Dương đen Đây là một triển lãm lấy cảm hứng từ sự di cư xuyên đại dương kết nối châu Phi với châu Mỹ và châu Âu. Trải qua nhiều thế kỷ, những mạng lưới xuyên Đại Tây Dương này đã dẫn đến sự hình thành các nền văn hóa và bản sắc lai phức tạp, như của năm nghệ sĩ được giới thiệu trong triển lãm Black Atlantic. Mỗi tác phẩm gợi ý một cách tiếp cận sáng tạo độc đáo để định hình bản sắc và tương lai mới thông qua những cử chỉ cá nhân của các tác phẩm thủ công, thường là sự đối thoại với các quy trình sản xuất quy mô lớn. Các nghệ sĩ đã khai thác cả lịch sử toàn cầu và kinh nghiệm cá nhân để tạo ra những tác phẩm đầy sức thuyết phục này, vừa sáng tạo về hình thức và chất liệu, vừa mạnh mẽ về chủ đề.
Sinh ra ở Ethiopia và hiện đang sống tại Bờ Biển Ngà, Aïda Muluneh tạo ra những bức ảnh sống động làm nổi bật bản sắc dân tộc, chính trị và văn hóa của cô. Thông qua việc sử dụng ẩn dụ, cô tạo ra những bức tranh ngắn miêu tả một cách thi vị các khía cạnh trong trải nghiệm của mình với tư cách là một phụ nữ Ethiopia và người nhập cư. Muluneh rời Ethiopia khi còn nhỏ và lớn lên giữa Yemen và Anh, sau đó sống ở Síp và Canada trước khi theo học đại học tại Hoa Kỳ. Tác phẩm của cô phản ánh sự đầu tư của cô vào việc chia sẻ những góc nhìn phức tạp, đặc trưng của châu Phi, cũng như những hành trình của chính cô trên khắp thế giới. Đây là nơi tôi đang ở là cuộc triển lãm gồm 12 tác phẩm nghệ thuật mới của Muluneh (sinh năm 1974, Addis Ababa, Ethiopia) được trưng bày tại hơn 330 bến xe buýt JCDecaux trên khắp New York, Boston và Chicago ở Hoa Kỳ và Abidjan ở Côte d'Ivoire.
Chúng tôi sử dụng cookie để cải thiện trải nghiệm duyệt web của bạn, không có thông tin cá nhân nào được lưu trữ. Chính sách bảo mật